Um grande abraço ao pessoal do EArena, agradecemos novamente o convite.

Este artigo aponta para vários sites que disponibilizam sprites retirados de jogos existentes e que, embora seja uma prática ilegal, é utilizada por muitos iniciantes como placeholders durante o desenvolvimento.

É importante alertar sobre uma coisa: os sprites disponibilizados nas páginas abaixo são ilegais. Eles não foram criados pelos autores dos sites, tendo sido, isto sim, ripados (pirateados) de jogos existentes. Ou seja, esse pessoal está distribuindo o trabalho de outros artistas e sem dar um tostão a eles.

O último link da lista é a exceção: uma biblioteca muito conhecida dos desenvolvedores iniciantes de jogos, que é disponibilizada pelo autor de graça há vários anos, inclusive para projetos comerciais. Quanto aos outros, pelamordedeus não vá criar um jogo com esses sprites e querer vender. Se usar para fins educacionais, a coisa ainda pode ser perdoada.

O Abrindo o Jogo não incentiva práticas ilegais, principalmente relacionadas a pirataria de jogos. Porém, no caso dos sprites abaixo, é uma prática tão comum – e, acredito, tão válida para o aprendizado – que resolvi publicar aqui.

Segue então, uma lista selecionada de sites que disponibilizam sprites de jogos. Uma ótima forma de aprender programação é criar clones de jogos que você gosta. Neste caso, os sites abaixo vem bem a calhar.

• Sprite database
  sdb.drshnaps.com
• GSA – Game Sprite Archives
  www.gsarchives.net
• The sprites Resource
  www.spriters-resource.com
• NES/SNES Sprites
  www.nes-snes-sprites.com
• Scroll Boss
  scrollboss.illmosis.net/sprites.php
• The Mystical Forest Zone
  www.themysticalforestzone.com/sprites/SFX_items_tutorials/SFX.htm
• Flying Yougi – SpriteLib GPL
  www.flyingyogi.com/fun/spritelib.html

O que pode ser um problema no uso destes sprites nos dias de hoje, onde tudo é em alta resolução, é seu tamanho diminuto. Afinal, os jogos de onde foram tirados eram em resolução menor que 640×480 (geralmente um quarto disto, 320×240). Vários programas podem ser utilizados para aumentar as imagens, mas recomendo um em especial: o Scalar, disponível em um link no site da biblioteca Slick2D. O software é em Java e roda diretamente da web via Web Start, bastanto clicar no link abaixo (você precisa ter o Java instalado).

• Slick2D Scaling Tool (Scalar)
  http://slick.cokeandcode.com/demos/scalar.jnlp

Ele aplica o mesmo algoritmo utilizado em muitos emuladores para aumentar a resolução dos sprites mantendo a nitidez (ou seja, se dar aquele efeito de borrado, fora de foco) e identifica os contornos serrilhados tornando-os em linhas suaves. O resultado é realmente excelente, como podem ver no sprite abaixo, aumentado em 3x.

Sprite no tamanho original e abaixo ampliado 3x.

Quem quiser pode recomendar outros sites do gênero nos comentários.

O SENAC Pelotas, em parceria com nossa equipe, lança a Pós-Graduação em Arquitetura e Desenvolvimento de Jogos Digitais. O curso foi desenvolvido totalmente voltado a prática e alinhado com a realidade do mercado. O Abrindo o Jogo participou da montagem da ementa das disciplinas e, tanto eu, como o Alessandro, faremos parte do corpo docente.

O curso já está com as inscrições abertas e inicia as aulas em Abril. Para mais informações, e  ficha de inscrição, acesse o site oficial.

Para o pessoal que não mora na região, em breve estaremos divulgando cursos de extensão, com certificação e totalmente a distância. Serão módulos independentes desenvolvidos em parceria com a Universidade Católica de Pelotas, que fornecerá o ambiente de estudo e também a certificação.

Acompanhem as novidades aqui no blog!

Colaborador ou freelance?

Uma das coisas mais fundamentais para decidir é se você está procurando uma posição assalariada full-time em uma empresa de desenvolvimento, ou se você se sente mais confortável oferecendo suas produções de áudio para a indústria como um freelancer. Compositores usualmente se dão melhor como freelancers do que na situação de colaboradores, onde seria esperado deles fazer mais do que apenas compor.

Se você é um faz-tudo talentoso, ficará bem tanto como colaborador como freelancer. A decisão pode ser baseada no equilíbrio entre trabalho e vida pessoal. A partir do momento em que você tem clara qual posição você deseja para sí, você pode voltar seus esforços para um alvo específico: empregadores ou clientes.

Sempre trate seus clientes com respeito

Tanto faz se você é freelancer ou colaborador de uma empresa, as pessoas com as quesi você trabalha devem ser tratadas como clientes. Sendo um sound designer, compositor ou trabalhando na implementação de som, você precisa dos seus clientes tanto quanto eles precisam de você.

Algumas vezes eles podem aparecer com sugestões que podem parecer malucas, mas ouça suas idéias, explore-as, trabalhe em alguns exemplos e tente as sugestões. Você pode se surpreender como o que soa maluquice a primeira vista pode funcionar. O resultado é que o pessoal que trabalha com você se sentirá inserido no processo criativo e você ficará satisfeito com um trabalho bem feito.

Crie uma fita demo sólida

A fita demo é, talvez, a peça mais importante que você vai apresentar para um futuro empregador. Muito do seu trabalho e estilo de comunicação vai ser passado por meio da forma como sua demo é editada, estruturada e apresentada. Não envie a mesma demo genérica para várias empresas – será muito melhor se você puder vincular exemplos específicos a uma empresa em particular.

Inclua uma carta de apresentação explicando especificam,ente porque você almeja aquela posição naquela empresa. Mantenha ela simples, limpa e sempre foque no seu melhor trabalho. Além disso, se você trabalhou em uma área específica mostrada em um clip de jogo ou filme, deixe bem claro que área foi – por exemplo, se na cena de batalha, apenas o som do helicóptero é de sua autoria, deixe isso claro.

Faça conexões e contatos com gente da indústria

Existem vários locais onde estes contatos estão disponíveis para quem está entrando na idústria, como congressos e concursos. Encontrar e conversar com talentos do áudio que já estão na indústria é uma ótima forma de fazer conexões e melhorar sua capacidade de encontrar trabalho.

No papel de embaixadores das suas empresas, pessoas que dão palestras, participam em mesas redondas e oficinas em conferências são faceis de se aproximar. Qualquer um que tem sucessos em áudio para jogos hoje esteve um dia onde você está hoje.

Procura e oferta

Geralmente não é difícil encontrar compositores para áudio de jogos, mesmo no Brasil. Procure voltar-se para áreas onde os profissionais são mais escassos.

Atualmente, programadores de áudio, designers de efeitos sonoros e designers de diálogos são muito mais escassos do que compositores, então faz sentido entrar na indústria por estes campos. Uma vez posicionado, você terá amplas chances de provar seu talento e mover-se para papéis onde você ficará mais confortável.

Procure formas de provar que você sabe trabalhar em equipe

Desenvolvimento de jogos é baseado em colaboração e em encontrar mutualmente soluções criativas para os problemas visando melhorar o produto final. Se você puder provar que já trabalhou com um animador ou um diretor de curta metragem ou jogo, e demonstrar algumas das áreas nas quais você conversou sobre áudio e trabalhou na integração das idéias de outras pessoas ao som, isto irá, definitivamente, impressionar quem quer que estiver lhe entrevistando.

O áudio bom é aquele que dá suporte à jogabiliade ou história do jogo, não apenas aquele que soa bem pelo som em sí. Se o jogo for um fracasso, todo mundo fracassou, quer seja o áudio bom ou não.

Não maqueie seu currículo

Colocar informação falsa ou confusa no currículo ou demo não é uma boa idéia e você certamente será descoberto. Sempre especifique exatamente o que você fez em cada trabalho apresentado.

Se você apenas editou os diálogos, então registre que editou os diálogos. Não dê a entender que você fez todo o áudio do jogo. Serão feitas perguntas sobre seu trabalho no jogo e os empregadores verificam as referências sistematicamente – não importa quanta experiência o candidato pareça ter.

Ganhe experiência

Geralmente as empresas procuram por experiência em detrimento de qualificação. Porém muitos cursos sobre áudio para jogos ou filmes possuem um método bem vocacional, e vão contar como experiência de produção para as empresas. Melhor ainda se você conseguir um estágio ou trabalho temporário em uma desenvolvedora de jogos.

Todo mundo é um contato

Fazer contatos pode iniciar ainda na faculdade. Se você puder trabalhar de graça no projeto de um amigo, faça. Aquele amigo vai provavelmente pegar um emprego ou iniciar uma empresa e voltará a você em busca do áudio. Ou recomendará você a outros.

Novamente, se você possui uma experiência colaborativa positiva trabalhando com certas pessoas, elas vão lembrar e passar sua recomendação a frente.

Tenha habilidade flexíveis com software

Ferramentas para implementação de áudio em jogos estão sempre mudando, e ainda não há padrões de indústria na área de jogos assim com há em filmes. Nem todo mundo usa ProTools. Aprenda a ser competente em diferentes sistemas, sequenciadores e editores.

Aprenda tantos software de sequenciamento quantos você tiver oportunidade e experimente com projetos em Audiokinetic Wwise para ter uma idéia de como o áudio será implementado em jogos.

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Página de Rob Bridgett: http://www.sounddesign.org.uk

Não deixem de conferir o módulo, além de acessar a lista de discussões para comentar e tirar dúvidas

Clique aqui ou acesse a seção de Cursos e Tutoriais do blog.

Até a próxima!

Escolha uma teconologia para dominar

Obviamente não há algo como uma “linguagem de programação de jogos”. Teoricamente, qualquer linguagem de programação pode ser adaptada para este tipo de desenvolvimento, desde C++ até Python. No entanto, tudo vai depender de qual você domina mais. As diferenças entre as linguagens, na prática, dizem respeito à produtividade e ao desempenho que pode ser alcançado com elas nos hardwares atuais. Desenvolver um jogo para celulares Nokia com pytiohn ou C++ não terá muita diferença, porém para um PC, teremos melhor desempenho com a segunda. Além da enorme quantidade de motores e outras ferramentas disponíveis para ela.

Ou seja, a adoção do C++ pela indústria de games faz dele uma opção que se destaca. Mas Java e C# são praticamente iguais no desempenho, e muito mais produtivas, tendo sua adoção em crescimento. ActionScript 3 também é um candidato forte quando se cogita a plataforma Web ou dispositivos móveis (que cada vez mais vão incluir o Flash Player Lite).

Dependendo do tipo de jogo que você deseja trabalhar no futuro, do tipo de empresa que almeja, ou mesmo se pretende ser um desenvolvedor independente, ter seu próprio estúdio (o que dá mais liberdade na escolha da tecnologia), é importante escolher uma linguagem e ir a fundo nela.

Começe pelo começo

Não cansamos de repetir isso: não almeje desenvolver, como seu primeiro projeto, um jogo AAA ou um MMO. Este tipo de jogo é desenvolvido em dois anos (no mínimo) e com uma equipe de 30 a 100 pessoas (alguns com até mais). Por mais que você se dedique, junte os amigos, etc, vai ser frustrante.

A melhor opção para começar é criar algo menor, mas completo. Ir até o fim, com cutscenes, menus, ranking, várias fases e jogabilidade descente acima de tudo. E procure realizar todas etapas do processo, como a fase  de testes de jogabilidade com os amigos. É mais importante ter primeiro esse conhecimento do quadro completo do que iniciar lutando com um projeto que é, por natureza, maior que sua capacidade.

Uma opção interessante é participar no desenvolvimento de jogos ou mods em uma comunidade de desenvolvedores. Você aprende muito de trabalho em equipe e no final, terá orgulho de ter trabalhado em algo grande, com arte feita por artistas profissionais, roteiro escrito por escritores competentes e a programação feita por você e mais várias pessoas, com as queis você vai aprender e ensinar.

Mas, cá entre nós, eu ainda dou o primeiro lugar para o orgulho de ter feito algo pequeno, mas todo por minha conta.

Inicie em plataformas bem dominadas

Sugestão: PC (desktop) e Web. Assim como na dica anterior, iniciar desenvolvendo para um console de última geração (Xbox, Playstation) ou plataformas sem padronização, como celulares, pode ser frustrante. E acabará dispersando seu estudo da programação de jogos com detalhes específicos da plataforma.

Duas alternativas interesantes são o Xbox e o iPhone. O primeiro porque possui o XNA, que facilita o desenvolvimento tornando-o igual ao do PC, além de você poder colocar seu jogo à venda na XBox Live. O segundo porque é uma plataforma móvel padronizada, com um SDK bom e que também permite disponibilizar seu jogo para venda (na App Store). mas tenha em mente que nenhum deste é “de graça”. Muita gente não lembra que o SDK do iPhone só roda em Macs, ou que é necessário pagar pela licença para poder disponibilizar jogos na Xbox Live.

Copie, cole, estude

Estude muito. Essa dica você vai ouvir muitas vezes. Uma forma muito boa de aprender é ver códigos prontos, baixar exemplos e modificar, copiar e colar blocos de código para incrementar seu trabalho – mas sempre tendo a responsabilidade de estudar como funciona aquilo que você “pega emprestado”. Afinal, se você fizer um jogo baseado em retalhos de códigos de outrem, os quais você nem entende direito, estará apenas enganando a sí mesmo.

Ao baixar os fontes de algum jogo, modifique e faça uma versão personalizada sua. mas não se preocupe em modificar os gráficos – afinal , não é este seu foco. Modifique, isto sim, a jogabilidade, adicione fases, recursos, armas, bônus. Quem sabe você consegue otimizar algo e tornar o jogo mais rápido?

Inspire-se no trabalho dos outros

Copie idéias também. Observe jogos cujos fontes você não tem acesso e tente fazer um clone. Tente imaginar como o desenvolvedor criou determinado efeito ou mecânica e procure repetir, começando pelos jogos que você mais gosta e entende, que são aqueles cuja mecânica você já deve ter endentido completamente.

Este é um exercício importante e com o tempo você terá a capacidade de observar um jogo e pensar: “Hum… acho que sei como isso foi feito” ou quando sua namorada estiver maravilhada com aquele jogo Web você analisar por alguns instantes e então dizer com desdem: “Eu consigo fazer igual!”

No futuro poderá ser procurado por um produtor que vai rabiscar em uma folha de papel alguma mecânica maluca e lhe perguntará: “Dá para fazer? Quanto tempo leva?” O exercício acima lhe dá base para imaginar como poderia ser feito e dar uma estimativa válida.

No futuro vou dar uma dica mais técnicas, de programação mesmo. Mas na próxima semana as dicas serão para aqueles que lidam com o áudio dos jogos.

Não deixem de conferir esta primeira parte, está muito legal.

Tutorial Pixel Art – Parte 1

Escreva um GDD (Game Design Document)

GDDs são o coração do projeto de jogos. Todo game designer escreve parte ou todo durante o desenvolvimento. Já que a palavra escrita é uma das ferramentas mais importantes do game designer, vale a pena aprender a escrever bem.

Embora existam muitos livros diferentes sobre o assunto, a única maneira real de melhorar sua competência é ler mais e mais. Aqui no blog temos um artigo sobre GDD. Vale a pena dar uma olhada.

Crie uma fase em 3D

A criação de níveis é onde a teoria encontra a prática em game design. É onde 90% da mecânica, arte, sistema de inventário, scripts, programação e IA são finalmente incorporados.

A criação de níveis (level design) é tão fundamental para o game design que em certas empresas é quase impossível obter um emprego sem ter pelo menos uma experiência dessa em seu portfólio.

Escreva um script de jogo

Neste caso, script é igual a codificação, embora seja algo muito mais alto nível doq ue a programação de jogos em sí. Existem várias razões pelas quais é importante um game designer estar familiarizado com scripts. Já que o game designer deve estar sempre intimamente familiar com o gameplay, ter a possibilidade dele mesmo criar alguns script acelera muito a interação dos elementos do jogo. E mais: isso também dá ao game designer um boa referência para sua comunicação com programadores.

Faça um jogo ou um mod

Entrar para um projeto de mod é uma ótima forma de aprender o processo em equipe de contrução de um jogo. Aos olhos de um estúdio de jogos, um designer que já esteve “nas trincheiras” é dez vezes mais valorizável do que um que não esteve.

Projetos de mod são a coisa mais próxima a uma equipe de desenvolvimento real que você pode chegar sem ser realmente pago para isso. E, em certos casos, um mod acaba sendo escolhido e distribuído por publishers reais.

Mas claro, não há melhor maneira de de se levantar do que tentando por si mesmo. Há várias game engines e ferramentas baratas (ou gratuitas) que você pode experimentar para criar um jogo por sua conta. Torque Game Builder e Torque Game Engine são as mais populares.

Aprenda a esboçar as coisas com Flash

Se uma imagem vale por mil palavras, uma imagem em movimento vale dez mil. Game designers adoram texto. É fácil e rápido escrever sua idéia para uma mecênica de jogo, fase ou sistema. Mas, será essa a melhor maneira de comunicar sua idéia?

Provavelmente não. George Lucas tem usado storyboards animados (chamados cinematics) com ótimo resultado no desenvolvimento da série Star Wars. Similar a estes cinematics, é mais fácil para o desenvolvedor entender a idéia se ele ver ela funcionando em Flash, ao invés de apenas ler sobre ela.

Seja um facilitador

Game designer são os zeladores da visão de um jogo. Como tal, você deve fazer o que for preciso para habilitar os outros membros da equipe a executarem essa visão.

Se um animador lhe pede para ficar na frente de uma sala de reuniões gigante, cheia de gente, e dançar igual a um panda para demonstrar uma animação para o resto da equipe de arte, faça! Alguns minutos de embaraço valem a pena quando você libera um grande jogo no final.

Disseque jogos e suas mecânicas, inclusive os ruins

Jogos são, sobretudo, sistemas e mecânicas. Qualquer um pode ter uma idéia para um jogo. Game designers traduzem essa idéia para mecânicas e sistemas de jogos que são divertidos de jogar.

Ser capaz de analisar criticamente uma mecânica de jogo e descobrir porque ela é tão divertida (ou não) é essencial para ser um game designer. Por incrível que pareça, encontram-se na industria de jogos muitas pessoas que não jogam. Game designers devem viver e respirar jogos. É importante ter uma referência saudável de forma que você possa aprender o que é bom e ruim em game design.

Produza um portfólio online

Em geral game designers não possuem portfólio, mas há muito que um designer pode postar na web para ser visto por potenciais empregadores.

Algumas coisas que você pode querer ter online são exemplos de redação (ficção e escrita técnica), amostras de código de quaquer script que você tenha feito, imagens de modelos ou fases que você tenha projetado e links para quaisquer projetos de mod nos quais você esteja envolvido.

Trabalhe suas habilidade de comunicação

Muito de ser um game designer tem a ver com comunicar a outras pessoas as idéias que estão em sua cabeça. Pessoas diferentes aprendem as coisas de formas diferentes, portanto explicar as coisas para as pessoas na própria linguagem delas ajuda muito a transmitir suas idéias.

Você pode argumentar que as pesoas com que você fala é que precisam aprender a se comunicar melhor, mas como zelador da visão do jogo você é responsável por certificar-se que esta visão é bem entendida por todos membros da equipe.

Aprenda algo novo todo dia

Você nunca sabe sobre o quê vai precisar saber. Ao iniciar a carreia você pode trabalhar em RPGs e não ter motivo nenhum para aprender sobre armas de fogo usadas na 2ª guerra mundial, a não ser curiosidade. Mate essa curiosidade e estude sobre isso. Alguns anos mais tarde, quando pintar um grande projeto de um jogo de tiro situado nesse período, esse conhecimento virá a calhar.

Por outro lado, embora ajude, muitos designers não possuem grau superior em game design. Muitas outras faculdades se aplicam, de comunicação a história e até psicologia.

É isso aí. Semana que vem temos mais dicas, desta vez para o programador.

Não esqueçam de participar e tirar as dúvidas através de nossa lista de discussão.

O novo módulo pode ser acessado através da nossa seção de Cursos e Tutoriais, ou clicando aqui.

Coulianos explica que começou tentando analisar como a Valve dava o tempo das coisas em seus jogos para criar as experiências dramáticas pelas quais é conhecida. Assim, acabou inventando um método rápido e direto segundo o qual podemos distribuir melhor os eventos no tempo.

Seu método assume o level design em sua forma mais abstrata: uma longa sequencia de eventos com diferentes mecânicas que precisam ser balanceadas entre si para que permaneçam variadas, consistentes e interessantes. A relação entre os elementos sendo tão importante quanto seu conteúdo e a distribuição no tempo é tida em foco.

Em roteiros tradicionais temos um detalhamento do que ocorre em cada estágio do jogo. Fica claro o que ocorre em termos de ação e como ocorre a progressão do jogador, quando os inimigos aparecem e quais habilidades ou equipamentos são oferecidos. No entanto, constatamos que não se registra como tudo isso se relaciona com o tempo. Quanto tempo o jogador deve gastar voando com a mochila a jato comparado ao combate que ele vai enfrentar a seguir? Que duração terão as cutscenes? Qual o tempo que se espera que o jogador leve para concluir determinada seção?

O método de Filip não é complicado de entender. Começa por identificar as mecânicas do jogo.

Separar as mecânicas

A idéia é simplesmente identificar os diferentes elementos de jogabilidade que temos no jogo. Usando como exemplo o Half Life 2, Filip divide as coisas da seguinte forma:

• Quebra cabeças – seções sem combate onde o jogador precisa resolver desafios lógicos para prosseguir. Baixíssimo nível de estresse.
• Diálogos - seções em combate onde partes da estória são reveladas ou o jogador recebe novas armas. Nenhum estresse.
• Arena - Áreas fechadas e muito baseadas em script de ação, onde o jogador enfrenta muitos inimigos ou um chefe de fase. Alto nível de estresse.
• Resistência leve – áreas onde o jogador apenas vai de um ponto ao outro, com inimigos distribuídos de forma a deixá-lo um pouco ocupado. Baixo estresse.
• Veículo - áreas onde o jogador dirige um veículo. baixo/médio estresse.

Depois desta classificação, observe alguém jogar e cronometre o tempo, anotando o momento em que o jogador entra em cada uma destas mecânicas. Utilize, então, os momentos anotados para gerar um gráfico que ilustra como o jogador progrediu pelas diferentes áreas e poder ver, facilmente, se ele gastou tempo demais em alguma delas.

Exemplo com o mod Project 25

Quando projetou Project 25, Filip tinha alguns objetivos definidos: o mod tinha que durar pelo menos 25 minutos de jogo e ser factível em dois mêses e meio. Para o level design, ele criou o argumento e então criou o gráfico com as estimativas de tempo para cada etapa. O argumento era assim:

O jogador é apresentado ao jogo e ao seu objetivo, que é alcançar a estação 25, em uma base rebelde localizada em um túnel. O jogador então progride pelo túnel até chegar ao nível da rua, onde ele batalha e encontra e salva alguns rebeldes. Os rebeldes guiam o jogador até a estação 25, onde é emboscado, sobrevive e encontra Alyx.

Seu gráfico ficou como é mostrado abaixo, onde cada unidade representa um minuto de jogo. A progressão é da esquerda para a direita.

1. Um minuto de diálogo introdutório (azul), seguido por alguns minutos de exploração básica com alguns zumbis exporádicos (vermelho). Em seguida um quebra-cabeça (verde) para relaxar o jogador. Quando o quebra-cabeça é concluído o jogador encontra mais zumbis e logo em seguida se forma uma arena com soldados invadindo o túnel (laranja).
2. O jogador passa pela difícul batalha e prossegue pelo sistema de esgotos com poucos ou nenhum inimigos, para reduzir o estresse (vermelho). Finalmente chega à superfície onde avança por um campo (vermelho).
3. O jogador salva os rebeldes presos em uma cabana no campo. Um diálogo curto informa para onde ir (azul). O jogador agora precisa resolver um quebra-cabeça para prosseguir (verde). O passo é bem lento durante o quebra-cabeça, onde um portão é aberto – revelando uma emboscada dos soldados. A batalha final (laranja) ocorre nas ruínas da estação 25.

Teste de jogabilidade

Depois de fazer o argumento e estimar os tempos (o passo do jogo), Filip sabia que precisaria criar dois quebra-cabeças, escrever diálogos para duas ocasiões e teria, além de uma longa arena no final (chefe final), uma outra arena no meio da fase. Claro que tudo isso poderia ser mudado no transcorrer do projeto, mas dava uma idéia bem clara sobre o que implementar. O próximo passo foi ter a primeira interação do processo rodando o quanto antes.

Depois disso, era hora da parte mais importante no processo de desenvolvimento: testar o produto. Ele estava com um protótipo totalmente funcional em três semanas (lembre-se: era um mod, não um jogo do zero). Embora com bugs e bastante crú, era jogável do início ao fim. Ele utilizou amigos com testadores e dá até algumas dicas sobre o processo de testes:

• Sempre esteja presente durante os testes e anote aquilo que os testadores tiverem dificuldade ou que não entenderam. Também use o cronômetro para marcar os tempos.
• Faça uma entrevista depois do teste, perguntando o que o testador gostou e não gostou. Faça perguntas baseadas na sua observação: por exemplo, sobre um desafio específico onde o testador agiu de forma estranha.
• Os testadores vão perguntar sobre o jogo e os desafios apresentados. Não responda, apenas anote para responder depois do teste. Mas preste muita atenção nestas perguntas porque elas revelam formas de melhorar a experiência do jogador.
• Tente evitar o efeito “professor ao lado”. Os testadores provavelmente vão se sentir desconfortáveis em jogar com você nas contas deles, olhando e tomando notas – e isso pode fazê-los jogar de forma não natural. Tente minimizar esse efeito deixando-o o mais confortável que puder. Se for possível, realize o teste na casa do testador.
• Tente também não mostrar ao testador que você está cronometrando o tempo. Isso ajuda a elevar seu estresse. Você pode filmar a seção para cronometrar depois.

Modificações em função dos testes

No total Filip realizou dez testes antes da release, mantendo a média de uma ou duas vezes por semana melhorando o jogo a cada vez. Baseado no tempo dos jogadores seu gráficou mudou para o seguinte:

1. A primeira área aumentou um pouco para permitir um tempo maior de jogo antes do primeiro quebra-cabeça.
2. Um pequeno quebra-cabeça foi inserido nos esgotos para garantir que passo estaria bem lento antes da batalha no campo. Esse quebra-cabela também evitou o jogador de passar treze minutos penas apenas matando coisas, o que era uma falta de variação.
3. Também foi adicionado um quebra-cabela antes do diálogo com os rebeldes, novamente para reduzir o estresse.
4. A batalha final ficou interessante, no entanto alguns jogadores cançaram com sua intensidade. Por isso a batalha foi mudada de tal maneira que os soldados atacam em duas ondas e novos personagens rebeldes aparecem e ajudam na luta. Por isso o diálogo de um minuto no meio de duas arenas.

Como podemos ver, o jogador de nível médio encontra uma nova mecânica a cada cinco minutos aproximadamente.

Conclusão

Pensar sobre o quê deve ocorrer no seu jogo é, naturalmente, essencial, mas não esqueça de pensar em como as coisas se distribuem na linha do tempo. Quanto tempo cada seção do jogo deve durar?

Tenha o primeiro protótipo rodando o mais cedo possível. Isso é mais difícil quando as mecânicas precisam ser desenvolivdas durante o projeto, mas deve sempre ser um objetivo a ser ter em mente. Assim que é possível experimentar o jogo de forma geral (mesmo com bugs), já se pode avaliar melhor o timing dos eventos e o passo do jogo.

Mudanças de passo a cada 5 ou 10 minutos é uma boa medida para os jogadores sentirem-se imersos e acharem a experiência variada e interessante.

Se você entende inglês, o vídeo abaixo tem uma explicação do próprio Coulianos:

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Filip Coulianos. Blog: http://www.filip.coulianos.se/Blog.php  Canal do Youtube: http://www.youtube.com/user/coulianos